Con un botteghino internazionale di oltre 700 milioni di dollari in tutto il mondo e 354 milioni di dollari a livello nazionale, Wonder Woman di Patty Jenkins si classifica facilmente come uno dei film di maggior successo commerciale mai diretto o co-diretto da una donna.
Ha anche ottenuto un enorme elogio della critica su tutta la linea, con un sorprendente 92% di valutazione su Rotten Tomatoes, che lo certifica ufficialmente come "fresco".
Sebbene alcune delle lodi possano essere eccessive, non si può negare il notevole successo del film sia come opera di intrattenimento che come punto di incontro culturale per il progresso delle donne nel cinema.
In questo articolo guarderemo indietro alla storia del cinema e ricorderemo il ruolo importante che le registe donne hanno avuto in esso. Dal lavoro pionieristico di Alice Guy per l'incoronazione di Kathryn Bigelow ai 82 ° Academy Awards, le donne sono sempre state in prima linea del progresso cinematografico.
Per celebrarli, ecco un elenco dei 16 migliori film di tutti i tempi diretti da donne, classificati.
16 The Babadook (2014 - regia Jennifer Kent)
Quasi tutti i grandi film horror hanno una corrente sotterranea di dolore represso di cui i demoni, i fantasmi, i mostri e gli assassini sono un'espressione aggressiva. Da questa ben nota verità lapalissiana, Jennifer Kent ha estratto il film più toccante sul dolore e la depressione dai tempi di Melancholia di Lars Von Trier e uno dei ritratti più veri della genitorialità mai messo in scena.
Invece di usare la sua metafora come argomento principale della storia, The Babadook la costruisce su una base di scene spiacevolmente realistiche di conflitto madre-figlio da cui il mostro titolare emerge come un culmine logico, trasformando senza soluzione di continuità il film nel regno della fantasia espressionista.
Sono le performance duellanti di Essie Davis e Noah Wiseman che danno energia al film e forniscono il suo potere terrificante. Negli ultimi anni, The Babadook è diventato anche un simbolo per la comunità LGBTQ.
15 Jeanne Dielman, 23 Quai Du Commerce, 1080 Bruxelles (1975 - dir. Chantal Akerman)
Immagina questo: un film di tre ore che segue la routine quotidiana di una madre single che si alza, fa il bagno, prepara suo figlio per la scuola, pulisce il suo appartamento, fa la spesa, prepara la cena e si prostituisce (per lo più fuori dallo schermo) per pagare le bollette. Jeanne Dielman accade tutto in lunghe riprese singole, in cui nessun dettaglio delle sue azioni viene risparmiato, con dialoghi sparsi e nessuna narrazione fuori campo per spiegare i suoi pensieri.
Se questo suona come un test di resistenza, è perché in una certa misura lo è. Condividendo ogni minuto e intervallo di silenzio con noi, Chantal Akerman mette alla prova la nostra pazienza e capacità di empatia per rivelare meglio il significato che questi compiti hanno per la sua protagonista e il prezzo che lentamente assumono su di lei.
Ancorata da una performance da protagonista del tour de force poco appariscente e devastante di Delphine Seyrig, Jeanne Dielman è un capolavoro dell'horror sociale, la cui potenza a combustione lenta rimane senza precedenti fino ad oggi.
14 14. Clueless (1995 - dir. Amy Heckerling)
È questo dettaglio cruciale che separa i buoni film per adolescenti da quelli cattivi, e Clueless lo mette fuori gioco. È attento, divertente e molto più intelligente di quanto sembri inizialmente: un abbinamento perfetto per il suo protagonista.
13 Il principe d'Egitto (1998 - regia di Brenda Chapman e Simon Wells)
Il principe d'Egitto si pone come una sorta di anomalia nella filmografia della DreamWorks vecchia di quasi due decenni: a chilometri di distanza dall'affascinante moda dei ragazzi che ora definisce la maggior parte della loro produzione post-Shrek.
Questa interpretazione animata della storia di Mosè e della sua liberazione degli ebrei dalla schiavitù egiziana è maestosa, riverente e seria in un modo che manca anche alle attuali produzioni Disney. Usando la relazione fraterna tra Mosè e il faraone Ramses II come punto centrale del conflitto, il film di Brenda Chapman e Simon Wells affronta la fede, la lealtà e l'amore con un candore a misura di bambino che, nonostante le sue origini aziendali, gli conferisce un'atmosfera molto più personale dei poemi epici biblici dell'antichità.
Una cosa che ha in comune con i classici poemi epici biblici, tuttavia, è un cast costellato di stelle che vanta personaggi del calibro di Val Kilmer nei panni di Moses, Sandra Bullock nei panni di Miriam, Jeff Goldblum nei panni di Aaron e, soprattutto, Ralph Fiennes nei panni di Rameses..
L'umanità pienamente realizzata dei personaggi mette le loro lotte con dio, potere e destino a un livello familiare, ingrandendole in un modo che ci rende umili. Chi avrebbe mai pensato che un film d'animazione per bambini sarebbe stato uno degli adattamenti religiosi più profondi mai realizzati?
12 Tomboy (2011 - dir. Céline Sciamma)
Pubblicato nell'aprile del 2011 per elogiare la critica al botteghino francese, questa dolce storia segue una bambina androgina di 10 anni che si traveste da ragazzo per adattarsi al suo nuovo quartiere e sviluppa una cotta reciproca per una ragazza del posto.
Ha acquisito una notorietà inaspettata nel 2013 dopo che i gruppi di genitori conservatori si sono lamentati di essere stato mostrato agli studenti delle elementari come parte di un'iniziativa di studi cinematografici sostenuta dal governo. Nel contesto della recente legalizzazione del matrimonio tra persone dello stesso sesso negli Stati Uniti e del acceso dibattito a livello nazionale che lo circonda, l'idea di bambini della loro età che guardano qualcuno della loro età esplorare la sua identità sessuale sullo schermo è stata vista dagli oppositori come un attacco provocatorio alla loro innocenza.
Ironia della sorte, l'innocenza sembra essere una delle qualità principali del film. Come un'amica invisibile, la macchina fotografica di Sciamma ci invita nel mondo della sua protagonista senza farne un oggetto di studio o sfruttamento sociologico. Questo tatto intelligente rende Tomboy uno dei migliori film mai realizzati sulla natura performativa dei ruoli di genere e sui confini sfocati tra i sessi che nascondono.
11 The Piano (1993 - regia Jane Campion)
Con una Palma d'Oro al Festival di Cannes, tre Oscar su otto nomination ai 66 ° Academy Awards e 140 milioni di dollari al botteghino internazionale contro un budget di 7 milioni di dollari, The Piano è sicuramente uno dei film di maggior successo mai realizzato da una regista donna.
Ambientato nella Nuova Zelanda del XIX secolo, racconta l'esperienza di una giovane donna muta venduta in matrimonio a un ricco uomo di frontiera e la sua lotta per l'indipendenza e l'espressione di sé. Ciò è indicato dal contratto sessuale che stipula con un marinaio bianco in pensione in cambio dell'unico mezzo di espressione che ha veramente: il suo prezioso pianoforte.
Jane Campion trasmette i sentimenti di dislocazione, depressione e speranza del suo personaggio con una sensualità inebriante che ricorda la grande poesia romantica del periodo. Amore, dolore, crudeltà e passione si susseguono in una danza inebriante che culmina in un finale miracoloso che ti lascia entrambi sconvolti ed euforici.
10 Fast Times At Ridgemont High (1982 - dir. Amy Heckerling)
Prima di rivitalizzare la commedia del liceo americano con Clueless, Amy Heckerling l'ha introdotta per prima nel 1982 con Fast Times At Ridgemont High. Il film riesce a comprimere un intero anno di scappatelle, corteggiamento e violazione delle regole in un vivace tempo di esecuzione di 90 minuti.
Segue una rete eterogenea di studenti, che vanno dalla seconda vergine Stacy di Jennifer Jason Leigh allo stoner di Sean Penn Jeff Spicoli, mentre esplorano le gerarchie generazionali, sociali e sessuali della loro scuola.
Come un ponte tra American Graffiti e Dazed And Confused, Fast Times At Ridgemont High è una commedia corale per adolescenti le cui risate ci informano tanto quanto ci divertono. La direzione acuta di Heckerling e le scelte di canzoni azzeccate, insieme a una sceneggiatura impeccabilmente equilibrata per gentile concessione di un giovane Cameron Crowe, dimostrano una comprensione empatica della psiche adolescenziale che pochi registi hanno rivaleggiato prima o dopo.
9 The Virgin Suicides (2000 - regia Sofia Coppola)
"Ovviamente dottore, non sei mai stata una ragazzina di 13 anni"
Così parla Cecilia Lisbon, la più giovane di una sorellanza di cinque ragazze di una famiglia conservatrice della classe media cattolica nel Michigan degli anni '70, allo sfortunato psichiatra che cerca di capire il suo tentato suicidio. Le sue parole - fredde, dirette e penetranti - racchiudono l'intera opera prima di Sofia Coppola, in cui un gruppo di adolescenti testimonia impotente la misteriosa disintegrazione delle ragazze.
L'attenzione di Coppola alla noia esistenziale di donne e ragazze privilegiate ha attirato la sua parte di critiche, ma la sua comprensione della psiche adolescenziale abbatte tutte le barriere di classe qui. Ciò è aiutato dalle prestazioni incredibilmente accurate di Kirsten Dunst, Kathleen Turner e James Woods. Alternativamente gioioso, agrodolce e presagio, The Virgin Suicides brilla con il realismo accresciuto dei ricordi che alla fine si fondono con i nostri sogni.
8 Persepolis (2007 - regia Marjane Satrapi e Vincent Paronnaud)
Gli adattamenti dei fumetti non sono molto migliori dell'adattamento animato di Marjane Satrapi e Vincent Paronnaud, candidato all'Oscar, del romanzo grafico autobiografico del primo sulla crescita nell'Iran dell'era della rivoluzione e le speranze deluse, la tirannia iper-patriarcale e l'emancipazione ribelle che ne derivarono esso. Utilizzando uno stile di animazione dalle linee nette che contrasta il nero, il bianco e il grigio per un effetto vivido, Persepolis balza allo spettatore come un libro pop-out che prende vita.
Questo stile funziona come un ricordo illustrato della memoria giovanile che trasmette tutte le emozioni associate con un tocco di ironica lucidità adulta. Con un cocktail impeccabilmente equilibrato di umorismo autoironico e malinconia agrodolce, la fantasia infantile e l'angoscia politica adolescenziale trovano una manifestazione visiva comune che allo stesso tempo complessa e demistifica la storia moderna del paese.
7 Orlando (1992 - regista Sally Potter)
L'androginia di Tilda Swinton non è mai stata utilizzata meglio che in questo squisito adattamento del 1992 del romanzo rivoluzionario di Virginia Woolf. Segue un nobile elisabettiano il cui sesso cambia misteriosamente da maschio a femmina, e che successivamente arriva a sperimentare secoli di sessismo, crepacuore e amore, pur conservando la giovinezza eterna.
Nelle mani di Sally Potter, questa riflessione su genere, sesso, potere e mortalità diventa una fiaba contemplativa che trasporta il suo pubblico in un luogo di volo temporale sospeso, dove le uniche regole guida sono i pensieri e i sentimenti del suo protagonista.
Ciò consente al film di scorrere in diversi periodi di tempo come un paziente visitatore in un museo. Orlando scorre come un fiume tranquillo, fiducioso nella sua direzione ma senza mai darti una visione completamente mappata della sua destinazione finale fino al suo scatto finale perfetto.
6 Songs My Brothers Taught Me (2015 - dir. Chloé Zhao)
La voce più recente in questa lista è un film indipendente americano uscito solo nelle sale francesi e di New York. Ambientato nella riserva Lakota di Pine Ridge, South Dakota, Songs My Brothers Taught Me segue Jashaun, 11 anni, e suo fratello adolescente Johnny nella loro vita quotidiana, mentre la morte inaspettata del loro padre biologico li lascia a riflettere sul loro futuro e posto in un comunità che lotta per la sopravvivenza.
La regista esordiente Chloé Zhao dipinge le speranze, i sogni e le paure del suo personaggio con un pennello delicatamente impressionista che evita i cliché emotivi con una maturità che i registi più esperti raramente raggiungono.
Non richiede né pietà né simpatia dal suo pubblico, scegliendo invece di attirare l'attenzione sul bisogno profondamente umano dei suoi personaggi di connettersi e appartenere attraverso un montaggio sottile, performance semi-improvvisate e una telecamera che riesce ad essere sia onnipresente che discreta. Calmo, sobrio e rispettosamente compassionevole, il film di Zhao risveglia la coscienza sociale dello spettatore con un silenzioso potere evocativo.
5 American Psycho (2000 - regia Mary Harron)
L'adattamento di Mary Harron del romanzo horror satirico presumibilmente non filmabile di Bret Easton Ellis su uno squilibrato e misogino yuppie di Wall Street - che può o non può essere un serial killer - ha così completamente permeato la coscienza popolare che è facile dimenticare quanto fosse controverso pubblicazione. Oltre alle obiezioni femministe sul contenuto del materiale originale, molti critici cinematografici lo hanno liquidato come facile, sdentato ed estremamente superficiale.
Per quanto comprensibili siano queste critiche, perdono l'intelligente sovversività dello stile seducente di Harron e l'ampia interpretazione autocosciente di Christian Bale. La sua commedia non è tanto denigratoria quanto curiosa; usando la cinematografia del thriller e le esagerate interpretazioni della mascolinità capitalista, rivolge contro se stessa l'elegante fascino dell'artificio per esporre meglio il vuoto dietro di esso.
4 Comportamento appropriato (2015 - dir. Desiree Akhavan)
Uscito nelle sale nel 2015 dopo aver trascorso un anno proiettato nei festival cinematografici di tutto il mondo, il lungometraggio d'esordio di Desiree Akhavan come attore, scrittore e regista segnala l'emergere di un nuovo talento eccezionalmente acuto e rinvigorente.
In un momento in cui le commedie indipendenti incentrate sull'amore e le vite sessuali dei nevrotici newyorkesi della classe media sono diventate quasi altrettanto giocose dei blockbuster d'azione pieni di esplosioni, ciò che Appropriate Behavior realizza è a dir poco miracoloso.
Con una precisione millimetrica e un tempismo comico incredibilmente accurato, Akhavan attinge liberamente alla propria esperienza per narrare le crisi di identità della persiana Brooklynite Shirin, mentre una rottura con la sua ragazza la imbarca in una ricerca di auto-valutazione.
Durante il viaggio sperimenta con il sesso, cerca di conformarsi alle aspettative femministe liberali e lotta con la decisione se parlare o meno con i suoi genitori. Guardare una commedia di così disarmante sincerità e accuratezza umana significa guadagnare speranza per il futuro sia del genere che del cinema americano.
3 35 Shots Of Rum (2008 - regia di Claire Denis)
Nota per le sue meditazioni filmiche sull'impatto dell'eredità coloniale francese, Claire Denis è una delle registe viventi più rispettate della Francia e, guardando 35 Shots Of Rum, è facile capire perché.
Seguendo il direttore del treno delle Antille Lionel e la figlia post-adolescente Joséphine mentre si godono il tempo che hanno lasciato insieme prima della loro inevitabile separazione, Denis tesse un arazzo straordinariamente ricco della vita umana a partire da semplici sentimenti ed eventi quotidiani.
Ogni personaggio, scena e azione sembra allo stesso tempo intimamente familiare e sorprendentemente nuovo, come se stessi vivendo le vite di vecchi amici e familiari dalla prospettiva di un estraneo invisibile. Conosci queste persone e ti prendi cura di queste persone in modi che non avresti mai pensato possibile per i personaggi di fantasia. Il cinema raramente diventa più generoso, complesso e affermativo di così.
2 Wanda (1970 - regia Barbara Loden)
Secondo le regole tradizionali della narrazione cinematografica, Wanda dovrebbe essere un completo fallimento. È un ritratto episodico, a trama sottile, di una protagonista passiva esasperante - e quasi muta - che lascia che le cose le accadano senza iniziativa propria e resiste ostinatamente a qualsiasi tentativo del pubblico di identificarsi con lei.
Tuttavia, riducendo al minimo tutte queste basi narrative, la regista, la scrittrice e la star Barbara Loden conferisce al suo personaggio una realtà dolorosa diversa da qualsiasi cosa un film più convenzionalmente realista potrebbe produrre.
Come attrice, Loden era originariamente nota al grande pubblico come la moglie del famoso regista Elia Kazan. Wanda sfortunatamente ha finito per essere il suo unico lungometraggio, ma, con questo film, ha fatto altrettanto per aprire la strada all'arte del cinema come ha fatto suo marito con 21.
1 Wonder Woman (2017 - regista Patty Jenkins)
I risultati di Wonder Woman meritano sicuramente una menzione d'onore. Essendo sia il primo film DC Extended Universe che il primo film di supereroi guidato da donne a ricevere recensioni estremamente positive, ha rotto due tendenze negative contemporaneamente. Come storia di origine, è riuscita a colpire ritmi familiari mentre modificava abbastanza dettagli al loro interno per offrire qualcosa di nuovo.
In effetti, il principale successo di Wonder Woman come film è il modo in cui utilizza le mitiche radici femministe della sua eroina per rivitalizzare schemi narrativi altrimenti convenzionali, in particolare quelli che coinvolgono Steve Trevor.
Attraverso gli occhi curiosi di Diana, che non sono contaminati dal cinismo, Patty Jenkins ci ricorda il significato che gli eroi hanno per noi e corregge la superficiale incomprensione dei suoi predecessori. Sono i momenti sottili durante il film che rendono il film così soddisfacente.
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